Ce qui manque à la mode aujourd’hui, c’est l’intention By Victor-Hart™️
Parmi les projets les plus intéressants soutenus lors de la dernière édition du Camera Moda Fashion Trust, celui de Victor-Hart™️ se distingue par une trajectoire créative alliant indépendance, vision internationale et rigueur stylistique absolue. Designer ghanéen basé à Bologne, spécialisé dans le travail du denim, Victor-Hart™️ représente l’une des voix les plus originales de la nouvelle génération de créateurs qui, tout en travaillant en dehors des pôles traditionnels de la mode italienne, gagnent progressivement de l’espace et de l’attention au sein de la Milan Fashion Week. Le fil conducteur qui relie les différents aspects du travail de Hart est celui de l’intentionnalité dans la mode – un sens du but qui imprègne non seulement le travail du designer mais aussi ses produits, et qui s’oppose à la commercialité désormais évidente de la mode la plus institutionnelle, où ce sens de l’intention se perd peu à peu.
C’est pourquoi, à l’occasion de la première newsletter du mois d’août, consacrée à donner la parole aux voix des initiés de la mode, nous avons demandé à Victor-Hart™️ de nous offrir un point de vue sur le travail du designer en 2025, à un moment historique où la durabilité, l’identité culturelle et le dialogue entre tradition et innovation redéfinissent les contours du secteur. Son expérience, qui tisse artisanat ghanéen et savoir-faire italien, mémoire historique et exigences contemporaines, propose un modèle de mode consciente, profondément enracinée dans la culture matérielle mais tournée vers de nouvelles possibilités d’expression qui semblent constituer l’antidote aux maux qui affligent aujourd’hui le système de la mode.
Aujourd’hui, la mode est envahie par des créateurs viraux, des personnes qui attirent l’attention en ligne mais qui n’ont pas de véritable connaissance ou de véritable but derrière ce qu’elles créent. Je le vois partout : des esthétiques percutantes, mais sans profondeur ni métier. Je ne fais pas partie de ce monde-là. Je représente quelque chose de différent. Je crois en un grand artisanat. Alors que l’on critique souvent mes pièces en ligne en les qualifiant de trop simples, ceux qui les portent comprennent immédiatement qu’il se passe quelque chose de plus profond. Il y a une transformation qu’on ne peut pas capturer dans une photo. Mes vêtements paraissent peut-être minimalistes, mais ils ont du poids, de la présence et la capacité de changer la manière dont on se perçoit. Car le véritable artisanat, même dans sa forme la plus silencieuse, va au-delà de ce que l’on voit. Il touche quelque chose de personnel. Le problème, c’est que beaucoup, aujourd’hui, n’ont pas développé un goût pour la qualité. Ils se rattachent à ce qui est bruyant, rapide, facile à vendre – des créateurs qui crient leur identité sans vraiment la construire. Je veux être un créateur qui prend soin de son travail. Je m’intéresse au processus, à la construction, au sens. La mode, pour moi, doit offrir une nouvelle manière de regarder. Elle doit résoudre des problèmes, même s’il s’agit seulement de la position d’une poche. Les tendances virales ne construisent rien qui dure. Elles brouillent le secteur et effacent la différence entre ceux qui créent et ceux qui se contentent de performer. Aujourd’hui, n’importe qui qui imprime un t-shirt se dit créateur, mais ne connaît pas la coupe, la structure ou la raison pour laquelle un vêtement est construit d’une certaine façon.
C’est pourquoi, à l’occasion de la première newsletter du mois d’août, consacrée à donner la parole aux voix des initiés de la mode, nous avons demandé à Victor-Hart™️ de nous offrir un point de vue sur le travail du designer en 2025, à un moment historique où la durabilité, l’identité culturelle et le dialogue entre tradition et innovation redéfinissent les contours du secteur. Son expérience, qui tisse artisanat ghanéen et savoir-faire italien, mémoire historique et exigences contemporaines, propose un modèle de mode consciente, profondément enracinée dans la culture matérielle mais tournée vers de nouvelles possibilités d’expression qui semblent constituer l’antidote aux maux qui affligent aujourd’hui le système de la mode.
Aujourd’hui, la mode est envahie par des créateurs viraux, des personnes qui attirent l’attention en ligne mais qui n’ont pas de véritable connaissance ou de véritable but derrière ce qu’elles créent. Je le vois partout : des esthétiques percutantes, mais sans profondeur ni métier. Je ne fais pas partie de ce monde-là. Je représente quelque chose de différent. Je crois en un grand artisanat. Alors que l’on critique souvent mes pièces en ligne en les qualifiant de trop simples, ceux qui les portent comprennent immédiatement qu’il se passe quelque chose de plus profond. Il y a une transformation qu’on ne peut pas capturer dans une photo. Mes vêtements paraissent peut-être minimalistes, mais ils ont du poids, de la présence et la capacité de changer la manière dont on se perçoit. Car le véritable artisanat, même dans sa forme la plus silencieuse, va au-delà de ce que l’on voit. Il touche quelque chose de personnel. Le problème, c’est que beaucoup, aujourd’hui, n’ont pas développé un goût pour la qualité. Ils se rattachent à ce qui est bruyant, rapide, facile à vendre – des créateurs qui crient leur identité sans vraiment la construire. Je veux être un créateur qui prend soin de son travail. Je m’intéresse au processus, à la construction, au sens. La mode, pour moi, doit offrir une nouvelle manière de regarder. Elle doit résoudre des problèmes, même s’il s’agit seulement de la position d’une poche. Les tendances virales ne construisent rien qui dure. Elles brouillent le secteur et effacent la différence entre ceux qui créent et ceux qui se contentent de performer. Aujourd’hui, n’importe qui qui imprime un t-shirt se dit créateur, mais ne connaît pas la coupe, la structure ou la raison pour laquelle un vêtement est construit d’une certaine façon.
En 2025, la mode change visiblement. On ne parle plus seulement de silhouettes ou de tendances saisonnières. Le design doit aujourd’hui signifier quelque chose. Qu’il s’agisse de durabilité, d’inclusivité, de narration culturelle ou d’innovation, la mode la plus puissante est celle qui naît d’une intention précise. Et c’est là que s’inscrit mon travail. J’essaie d’utiliser mes collections pour explorer l’identité et les racines. Je ne me contente pas de citer la culture, je la vis, je la reflète et je l’utilise pour raconter de nouvelles histoires. Je pense que le design doit porter en lui mémoire, présence, quelque chose qui regarde vers l’avenir. J’ai toujours admiré ceux qui parviennent à tisser des valeurs profondes dans leur travail, comme Marine Serre, qui transforme des matériaux de récupération en luxe conscient, unissant mémoire culturelle et urgence environnementale. Je me sens proche de cette sincérité. Il ne s’agit pas de courir après la pertinence, mais de la construire à partir de zéro. L’authenticité culturelle n’est plus un détail : c’est le cœur du système. Qu’il s’agisse de créativité diasporique ou de collaborations avec des artisans locaux, la mode s’éloigne de la surface. Ce mouvement vers l’honnêteté et la profondeur est également lié à la demande croissante de durabilité. Les jeunes consommateurs ne se laissent plus duper par le greenwashing. Ils veulent une véritable responsabilité : matériaux recyclés, travail éthique, vêtements faits pour durer. La mode circulaire, entre revente, réparation et programmes de reprise, est devenue la norme. L’inclusivité devient enfin centrale, et pas seulement apparente. Les vêtements adaptatifs, les tailles inclusives, le design non genré : ce ne sont pas des ajouts, mais une partie intégrante de la pensée créative. L’accessibilité est devenue une stratégie créative, pas une option.
Tout cela donne forme à une nouvelle esthétique : minimale, précise, pensée pour durer dans le temps. On le voit aussi dans les changements qui ont lieu dans de grandes maisons comme Chanel ou Valentino, où l’on passe du branding ostentatoire à quelque chose de plus émotionnel, de plus mesuré. En même temps, les créateurs émergents doivent affronter un marché confus, saturé de marques qui suivent les tendances et construisent peu. Beaucoup s’appuient sur des références vagues, sans véritable base ni narration. Cela a engendré un consommateur désorienté, plus que jamais. Mais la vérité, c’est que les grandes maisons ont survécu parce qu’elles ont toujours eu une intention claire à la base. C’est pourquoi nous leur faisons confiance : leur héritage n’est pas seulement esthétique, mais aussi conceptuel, réfléchi, cohérent dans le temps. C’est cet héritage d’intention que je crois devoir être perpétué par les nouvelles générations de créateurs. Nous devons avoir l’espace pour construire de nouvelles identités avec des valeurs solides. Nous devons repenser la manière dont naissent les marques, non pas seulement avec des moodboards et du marketing, mais avec de vraies idées, des processus et des choix concrets. À une époque où l’intelligence artificielle et les raccourcis numériques se développent à un rythme accéléré, le rôle du créateur doit devenir encore plus humain, plus réfléchi. L’avenir n’appartient pas à ceux qui courent après l’algorithme, mais à ceux qui redonnent du sens entre les mains de ceux qui créent. C’est ce type de créateur que je veux être.
