6 designers d’intérieur à tenir à l'oeil Des studios et des créateurs qui transforment l’industrie

Le design contemporain vit une transformation profonde. Plus seulement forme ou fonction, il est devenu narration visuelle, performance numérique et conversation sociale. Les marques et les designers émergents ne se limitent plus à produire des objets, mais construisent des imaginaires, des univers visuels authentiques et cohérents pensés pour être partagés. En 2025, avec Instagram qui a dépassé les 2 milliards d’utilisateurs actifs, les contenus liés à l’ameublement n’offrent pas seulement de l’inspiration, mais contribuent à définir l’identité esthétique collective. Des hashtags comme #modernhome, avec plus de 5,7 millions de publications, confirment que le design d’intérieur est désormais un phénomène de masse et de tendance. Dans cet écosystème, le nouveau langage du design est hybride et orienté social : les produits deviennent contenus, les contenus deviennent storytelling, et chaque collection est conçue pour être photographiée, partagée et consommée en ligne. Nous sommes entrés dans l’ère du design-narration, où chaque élément de mobilier est pensé non seulement pour habiter un espace physique, mais pour vivre et se produire dans les fils numériques. Dans ce scénario, le succès d’un projet se mesure autant à sa qualité artisanale qu’à sa performance en ligne. Dans le monde du design, les reels Instagram surpassent les publications statiques avec une portée médiatique supérieure de 1,36x, et les carrousels génèrent un engagement sensiblement plus élevé que les clichés isolés. Les 87 % des interactions numériques se font aujourd’hui via du contenu vidéo : cela signifie que le design doit raconter, émouvoir et provoquer des réactions. Le design n’est plus silencieux. C’est une voix, un rythme visuel, une narration constante qui prend forme entre art, architecture, mode et plateformes sociales.

Voici six studios et designers d’intérieur qui s’imposent non seulement par la qualité esthétique de leurs travaux, mais par leur capacité à incarner pleinement cette nouvelle forme de langage.

Odd Matter

Fondé par Els Woldhek et Georgi Manassiev entre Amsterdam et Rotterdam, Odd Matter opère à l’intersection de l’expérimentation des matériaux et de la recherche philosophique. Leurs objets semblent provenir d’un autre temps, avec des vases, assises, tables oscillant entre le primitif et le post-numérique. La série Guise, réalisée avec une technique propriétaire qui simule la stratification géologique, a été exposée dans des foires et galeries du monde entier. Odd Matter rejette tout langage minimaliste ou conventionnel en préférant un design narratif et viscéral qui transforme la matière en récit. L’esthétique n’est jamais une fin, mais un résultat. Leurs images font fureur sur Instagram, notamment parmi les comptes qui publient des moodboards axés sur le design expérimental. Le fil est saturé de textures, de formes hybrides et d’une palette rappelant la terre et la peau.

Objects of Common Interest

Le duo grec Eleni Petaloti et Leonidas Trampoukis travaille entre Athènes et New York en construisant un univers visuel qui brouille les frontières entre art et design. Objects of Common Interest mêle installation, mobilier et recherche spatiale pour créer des formes courbes, translucides et sensuelles. Chaque pièce, des tables en plexiglas opalin aux assises monolithiques, est pensée comme un élément autonome et photographique, capable d’exister seule dans un feed Instagram comme dans une galerie. Le projet rejette l’idée de fonction comme contrainte, et célèbre le plaisir pur de l’image tridimensionnelle. Le hashtag #objectsofcommoninterest compte des dizaines de milliers de publications et leurs collections sont enregistrées par des directeurs artistiques et stylistes du monde entier. Chaque nouvelle sortie est un petit événement visuel.

Wonmin Park

Designer coréen basé à Paris, Wonmin Park a construit sa propre poétique autour de la résine. La série Haze, en particulier, a défini son langage visuel : géométries éthérées, surfaces mates, palette pastel. Chaque objet semble sculpté dans la lumière, suspendu entre présence et absence. Ses créations se situent entre sculpture et mobilier, et sont aujourd’hui exposées dans des collections publiques et privées. Wonmin Park est l’un des rares designers contemporains capables de transformer un matériau industriel en un médium émotionnel. Ses contenus font sensation dans les reels et galeries qui racontent un design rare et presque spirituel. Son profil est une narration visuelle cohérente, de la lumière à la couleur.

Kouros Maghsoudi

New-yorkais d’origine iranienne, Kouros Maghsoudi insuffle dans le design le poids de la culture diasporique et la légèreté de la provocation postmoderne. Sa Hug Chair, un câlin doux et ironique, est déjà iconique. La collection Mehmooni, qui évoque les fêtes persanes des années soixante-dix, est devenue virale grâce à un mélange de storytelling, de références culturelles et de palette pop. Maghsoudi crée des objets qui ne se limitent pas à être des assises ou des meubles : ce sont des actes culturels, des déclarations esthétiques qui traversent identité, ironie et héritage. Ses images, souvent accompagnées de légendes ironiques et provocatrices, sont parfaites pour le format carrousel sur Instagram et attirent l’attention de communautés allant de la mode au design social.

Further Ther

Studio basé à Lisbonne, Further Ther travaille à la frontière entre design et artisanat. Les fondateurs, Natasza Grzeskiewicz et Tomás Fernandes, croient en une approche curatoriale de la production : chaque collection est pensée comme une narration, avec un lien fort au contexte géographique et culturel. Leurs objets, des chaises aux assiettes, sont réalisés en éditions limitées, et souvent issus de collaborations avec des artistes ou artisans locaux. Le design est ici un processus lent, sensible, anti-industriel, parfaitement en phase avec la recherche d’un sens authentique du présent. Leur communication visuelle est minimale mais puissante : chaque cliché raconte une histoire, chaque projet est une micro-narration.

EWE Studio

Né à Mexico de l’union entre l’architecte Héctor Esrawe, la curatrice Age Salajõe et le designer Manu Bãño, EWE Studio incarne l’âme contemporaine de l’artisanat mexicain. Leurs œuvres, réalisées en pierre volcanique, laiton et bois brûlé, réinterprètent les codes précolombiens dans une optique sculpturale. L’objectif n’est pas seulement de créer des objets, mais de préserver et renouveler des pratiques traditionnelles à travers un langage formel contemporain. Chaque pièce est pensée pour durer dans le temps, pour exister autant dans une maison que dans une galerie. Un pont entre passé et futur, entre racines et vision. Les contenus sociaux du studio mêlent processus, matériaux et atmosphères cinématographiques pour un cas d’école de storytelling identitaire.