La dissolution voyeuristique de la FW24 de Diesel

Qu'est-ce que cela signifie de "déconstruire" ? Le terme est l'un des plus utilisés dans le jargon du marketing et des relations publiques, et est employé pour décrire un peu n'importe quoi – mais ce n'est pas un terme vague pour Glenn Martens, un designer habitué à prendre l'architecture de ce qui est déjà connu et à en deviner les fonctionnements intimes, pour ensuite les subvertir. Et la déconstruction a été un point fort du concept du dernier show de Diesel – un show que nous devrions peut-être appeler "expérience", étant donné que pour l'occasion, l'intégralité du processus de production, l'aménagement du lieu, le styling et le casting ont été visibles 24 heures sur 24 sur le site de la marque pendant trois jours entiers, tandis que mille spectateurs externes du monde entier observaient le show et ses invités dans une sorte d'appel épique sur Zoom, avec leurs visages qui défilaient sur des écrans aussi hauts que les murs qui jalonnaient la passerelle. Le même motif de visages concentrés sur un appel vidéo réapparaissait également sur plusieurs pièces de la collection.

Des filles, des garçons, au moins un couple de chiens, quelqu'un portant un masque d'alien : le concept d'observer et d'être observé, à la base du show, visait précisément à déconstruire les hiérarchies classiques du regard en transformant les observateurs à domicile en une sorte de grand papier peint interactif et les invités du show en objets observés. L'idée était de montrer, pour ainsi dire, le théâtre depuis les coulisses ou la robe depuis l'intérieur des coutures – ce qui fait également partie de la collection que Martens a présentée. Dans les notes du show, il est en effet mentionné que l'intention de la collection était de montrer « nos côtés cachés qui s'ouvrent, révélant la partie intérieure ». Pour rendre la situation encore plus étrange, faisant des éléments habituellement cachés le pivot du spectacle, une voix robotique énonçait l'ordre de sortie des modèles sur le podium dans le plus complet silence, au point de faire penser à une panne audio, rendant encore plus évidente l'inversion de perspective que le designer belge suggérait à son public d'adopter.

Un type d'inversion qui a été appliqué, suivant la même ligne conceptuelle, sur les vêtements : des robes et chemises en tissu dévoré qui s'amincissait jusqu'à devenir transparent, révélant leur trame ainsi que les sous-vêtements et les corps en dessous ; de longues robes fleuries à l'effet usé d'où émergeaient des imprimés animaliers, du denim révélant les jambes avec des inserts transparents et impalpables ; des tissus superposés et rendus étrangers par des traitements simulant leur usure, des parkas synthétiques entrecoupés de pulls, des fourrures léopard dont l'ourlet se transformait en tissus très légers ; des robes délicates à manches bouffantes dont les tissus brûlés révélaient d'autres étoffes en dessous avec des couleurs contrastées et, à l'inverse, des pièces à la texture lisse qui révélaient cependant une consistance duveteuse de mohair. Mais aussi des blazers dont les différents panneaux alternaient entre denim et cuir, des vestes aux cols coupés à vif, des tissus organiques recouverts d'une couche de finition synthétique, des tenues très bon ton qui devenaient soudain provocantes grâce à la révélation de leur trame et, pour clore le spectacle, une série de looks monumentaux en fourrure qui prenaient les archétypes du vêtement quotidien et en faisaient quelque chose de primordial, tribal. Le virtuosisme de Martens a créé une impression générale de surfaces écaillées révélant d'autres dessous – la clé de l'esthétique de cette collection était précisément la dissipation, l'identification du dynamisme dans l'état intermédiaire d'une transformation.