Le pouvoir thérapeutique de la lumière dans le design, entretien avec Theo Pinto À l'occasion de l'exposition personnelle « The Weight of Light », à la galerie Cadogan de Londres

Nous avons l'habitude de tout regarder rapidement. Expositions, intérieurs, objets, maisons, villes : tout doit fonctionner en quelques secondes, avant que le regard ne passe à autre chose. À l'heure où tout semble devoir être immédiat, la lumière est à nouveau l'un des outils les plus intéressants pour parler d'espace, de perception et de design.

Il ne s'agit pas simplement de bien éclairer une pièce ou de créer un effet scénographique pour les réseaux sociaux. La lumière modifie les surfaces, modifie la façon dont nous lisons un environnement, rend une couleur moins stable et transforme la relation entre le corps et ce qui l'entoure. Dans les domaines de l'art, du design, de l'architecture et des espaces commerciaux, concevoir signifie de plus en plus créer une atmosphère, et pas seulement organiser les objets et les matériaux.

C'est dans cette transformation que s'inscrit The Weight of Light, la nouvelle exposition personnelle de Theo Pinto à la galerie Cadogan de Londres. Artiste brésilien basé à Brooklyn, avant de se consacrer à la peinture, Pinto a étudié l'architecture, une formation qui continue d'influencer profondément sa façon de penser l'échelle, la surface, la matière et la présence physique des œuvres.

Ses peintures sont réalisées par superposition, ponçage et ajustements continus des couleurs. Les surfaces opaques absorbent la lumière au lieu de la réfléchir, ce qui fait que l'œuvre change en fonction de la distance, de la position du spectateur et du temps passé devant lui. Ils ne représentent pas des paysages précis, même lorsqu'ils évoquent des ciels, des horizons ou des moments atmosphériques.

Pinto explique que son processus ne part presque jamais d'une image définie. « Je pars généralement d'un sentiment plutôt que d'une image », confie-t-il. Il peut y avoir le souvenir d'un ciel, d'un moment au crépuscule ou d'une qualité de lumière particulière, mais il ne cherche pas à les reproduire fidèlement : ce qui l'intéresse se produit plus tard, lors de son travail en studio.

Un tableau peut rester pendant des mois dans un état incertain, sans que sa destination soit clairement définie. Pinto explique que ce sont souvent précisément les moments les plus intéressants, ceux où il ne sait toujours pas où l'œuvre le mène. C'est aussi pour cela qu'il travaille souvent sur le lever et le coucher du soleil, des moments de transition pendant lesquels la lumière change rapidement et où rien ne semble totalement stable. « Le monde est constamment en train de devenir autre chose », affirme-t-il. Chaque tableau devient alors une tentative de rester dans cet état un peu plus longtemps, avant d'être transformé.

La lumière, dans ses œuvres, n'arrive pas au bout : il fait partie de la structure de l'œuvre. Cela concerne la manière dont la couleur se forme, la manière dont la surface absorbe l'environnement et la manière dont l'image se présente au spectateur. C'est pourquoi ses tableaux ne fournissent pas tout au premier coup d'œil. Ils ont besoin de distance et d'attention.

Aujourd'hui, l'art, le design et l'architecture semblent de moins en moins s'intéresser à l'image fixe et de plus en plus à la construction d'expériences perceptuelles. Dans les intérieurs, les hôtels, les musées, les salles d'exposition et les magasins, la lumière n'est plus un élément ajouté à la fin du projet, mais ce qui détermine le caractère de l'espace avant même le mobilier.

Mais un mur peut changer complètement en fonction de la façon dont il est éclairé. Le même matériau peut sembler chaud, froid, léger ou lourd selon l'heure de la journée. Une ombre peut redessiner une pièce, tandis qu'un reflet peut rendre un détail plus évident et en masquer un autre. L'artiste affirme que l'architecture lui a appris à penser d'abord à l'expérience plutôt qu'aux objets : à observer comment les gens traversent un lieu et comment les proportions, les matériaux et la lumière façonnent la perception de l'espace.

Aujourd'hui encore, Pinto considère chaque tableau comme quelque chose qui doit être construit, pas simplement composé. En fait, une grande partie de son travail en studio concerne les supports, les finitions, les panneaux et les systèmes à travers lesquels les matériaux sont superposés. Comme il l'explique lui-même, ses peintures sont « aussi construites qu'elles sont peintes ».

Même le choix du grand format découle de cette relation avec l'architecture. Pinto souhaite que l'œuvre soit perçue comme une présence capable d'entrer en relation avec le corps et l'espace environnant et de modifier l'environnement dans lequel elle est placée. D'où une question plus vaste : que se passe-t-il lorsque la conception commence à définir les conditions ? La réponse vient inévitablement de la lumière, l'un des matériaux les plus efficaces pour rendre variable ce qui semble fixe.

De nombreux espaces contemporains considèrent la lumière comme une simple esthétique : environnements doux, tons chauds, ombres contrôlées et surfaces conçues pour être photographiées. Dans ces cas, l'image de l'espace change, mais pas nécessairement l'expérience de ceux qui le traversent. Cependant, lorsque la lumière est traitée comme un matériau, elle modifie réellement la relation entre le corps et l'environnement. Cela ne sert pas seulement à rendre quelque chose visible, mais cela suggère un rythme et détermine le temps que nous sommes prêts à consacrer à ce qui se trouve devant nous.

Ce thème prend encore plus d'importance dans une culture dominée par le défilement. Pinto ne considère pas ses peintures comme une forme d'opposition directe à cette vitesse. Il préfère les appeler une invitation. « Nous passons tellement de temps à faire défiler la page d'une image à l'autre que nous avons presque oublié ce que signifie vraiment s'attarder sur quelque chose », raconte-t-elle.

Même la beauté dans l'œuvre de Pinto n'est pas comprise comme quelque chose de superficiel ou de décoratif : l'artiste parle ouvertement de son éventuel « pouvoir thérapeutique ». Non pas une beauté utilisée comme luxe ou comme échappatoire à la réalité, mais quelque chose capable de redonner un sentiment de connexion, de présence et d'émerveillement.

Nous vivons dans une culture qui privilégie l'efficacité, la productivité et la stimulation continue, alors que les expériences dont nous nous souvenons le plus longtemps sont souvent celles qui ne demandent que de l'attention. La beauté, dit Pinto, ne change pas le monde, mais elle peut changer la qualité d'un moment. C'est là que The Weight of Light surpasse l'histoire d'une exposition unique, avec les œuvres de Theo Pinto qui nous permettent d'observer une direction plus large de l'art, de l'architecture et du design en passant de la construction de l'image à la construction de l'expérience.