5 détails à retenir de la collection Croisière de Dior Le show signé Jonathan Anderson se teinte de nuances noir

Le décor qui a accueilli hier au LACMA le show Cruise 2027 de Dior tentait de reconstituer un passé noble, celui du Los Angeles des années 40 et 50 avec ses divas immortelles et ses plateaux pharaoniques. Le tout au moyen de technologies résolument modernes. Un type de travail d'ingénierie inverse que Jonathan Anderson applique également à l'imaginaire Dior : non pas en partant du passé pour arriver au présent, mais en « reconstruisant » depuis le présent, avec des outils modernes, un pont vers le passé.

Dans cet exercice, son Dior devient très andersonien, c'est-à-dire surréaliste dans les volumes, presque ludique dans la façon dont il expérimente les matières et les silhouettes. Une complexité de pensée dans laquelle les icônes du cinéma ayant inspiré la collection avaient tendance à se perdre de vue (y compris la référence à la veste de Marlene Dietrich dans Stage Fright de Hitchcock, déclarée comme point de départ de la collection), noyées dans une avalanche de références disparates allant des fleurs aux films, en passant par les voitures et les actrices. Il n'en reste pas moins que les idées d'Anderson pour (son) Dior sont de plus en plus précises et collection après collection, il revient toujours sur la même silhouette en l'affinant à chaque fois.

Voici donc 5 choses que nous avons aimées dans le show Dior Cruise 2027.

La saison des fleurs

Transformer les femmes en bouquets a été l'une des directives principales du Dior d'Anderson dès le premier instant, quitte à les recouvrir entièrement d'une cascade de muguets, de campanules et d'iris. Après les nénuphars de la saison dernière, la Cruise 2027 a été dominée par le thème floral des coquelicots californiens. Véritable symbole ancestral du sommeil et des rêves, un élément thématique fondamental.

« Christian Dior avait compris à quel point l'idée du "rêve" était importante pour les gens après la guerre, comme forme d'évasion », déclare Anderson dans les notes du show. « Il l'a exploré dans la haute couture, ses amis surréalistes étaient obsédés par les rêves et, bien sûr, Hollywood est la Fabrique des Rêves. Tout faisait partie du même changement cross-culturel ». Les coquelicots, par ailleurs, sont devenus l'un des symboles du mythe hollywoodien en raison de leur présence dans Le Magicien d'Oz, peut-être le film le plus iconique de cette époque.

Les looks masculins

La collection comprenait également des looks masculins. Par rapport à leurs pendants féminins, ils s'inscrivaient dans une esthétique assez différente, même si des points de connexion existaient à travers la Bar Jacket et quelques ensembles formels. Parmi les éléments récurrents, on retrouvait les capes, les tissus lamé, les pied-de-poule en strass et les manteaux très structurés, mais contrairement aux premières collections, orientées vers des goûts plus aristocratiques, dans les dernières sorties, Anderson privilégie une esthétique plus glam, faite de pantalons en cuir, de sneakers cloutées, de jeans dont les déchirures sont maintenues par des chaînes, comme l'avait déjà fait Hedi Slimane pour la FW13 de Saint Laurent en des temps moins suspects.

Une section de looks masculins semblait quant à elle s'inspirer d'atmosphères plus réalistes, avec une série de chemises associées à des jeans ornés des œuvres d'Ed Ruscha, un artiste qui, selon Anderson, « possède ce fascinant sens du quotidien et de la façon dont il se connecte à la grandiosité de cette ville ». La véritable pièce maîtresse, cependant, était un manteau en laine grise sur lequel était imprimée la lumière zébrée des stores vénitiens, en référence aux grands classiques du film noir.

Les automobiles

Un autre « filon » de références était constitué par les voitures américaines vintage. Elles commençaient assurément par l'invitation au show : la clé d'une voiture qui allait revenir en tant que breloque suspendue aux sacs. Mais il y en avait une sur le podium qui constituait également un potentiel renvoi au show SS95 de John Galliano, dont le travail pour Dior est cité dans les nouveaux Saddle Bag inspirés des carrosseries et des intérieurs en cuir des voitures de sport. Pour boucler la boucle de la référence, les Saddle Bag inspirés des automobiles étaient également une idée déjà explorée par John Galliano pour la SS01 de Dior.

Asymétries d'archives

Dès ses toutes premières collections, Anderson a exploré le thème de l'asymétrie à travers d'infinies draperies, des ourlets en biais et des solutions vestimentaires qui brisaient la rigide symétrie du classicisme haute couture. Ce faisant, il se réfère aux travaux de Christian Dior lui-même qui, dans ses manières et ses langages, aimait en réalité créer des silhouettes dramatiques en les dissimulant dans une élégance très haute société. Plus précisément, dans ce show, un look composé d'une veste et d'une jupe asymétriques qui semblaient se compléter paraissait citer la célèbre robe Abandon que Dior lui-même créa en 1948, dotée d'une veste dont le revers se courbait asymétriquement sur la poitrine.

Les coiffes en plumes de Philip Treacy

Élément supplémentaire qui attire l'oeil : les coiffes emplumées ornant les têtes des mannequins. Signées Philip Treacy, le seul modiste qui, depuis l'époque de McQueen, crée des chapeaux pour la haute mode. Pour les réaliser, il s'est inspiré d'un projet initialement conçu pour Isabella Blow, dans lequel des plumes formaient le mot « Blow » — un design très en accord avec le goût délicat de l'obscène que la socialite anglaise arborait en de nombreuses occasions. Ici, les mots étaient différents, de « Buzz » à « Flow » en passant par « Star » (même si le lettrage, vu à la hâte, semblait épeler le mot « slop ») et bien sûr « Dior ».