A moda está a preparar-se para a sua própria “Odisséia” De Jonathan Anderson a Zendaya, as esculturas estão em todo o lado

Para quem tem boa memória, já em 2022 os críticos se voltaram contra Kim Jones por apresentar, no seu primeiro desfile da Fendi Haute Couture, uma coleção inspirada em Roma e na Galleria Borghese, repleta de paletas em tons de mármore e estampas de estátuas que pareciam decididamente didáticas. Dificilmente poderíamos imaginar, naquela altura, que muitos anos mais tarde — talvez estimuladas pelo lançamento da Odisséia por Christopher Nolan — as estátuas estariam a ter o seu momento absoluto de glória através de pistas e tapetes vermelhos. O que é interessante é que, da mitologia grega ao sul da Índia, ninguém ficou de fora.

Zendaya e a visita de imprensa “Odyssey”

Se há uma pessoa que integram o “núcleo da estátua” (se podemos chamá-lo assim), é Zendaya que, juntamente com Law Roach, está a transformar a visita de imprensa da Odyssey numa galeria itinerante de esculturas vivas. A peça que quebrou a internet é o conjunto da coleção Haute Couture Spring 1997 da Givenchy desenhado por McQueen, que também inclui uma máscara de capacete de Phillip Treacy evocando antigos capacetes de bronze.

Esse mesmo chapéu-de-cabeça foi usado pela modelo Debra Shaw em 1997 por ocasião do seu casamento. O vestido, entretanto, é branco e drapeado, e vem naturalmente de uma coleção inteiramente enraizada na mitologia grega, cujo título, Search for the Golden Fleece, faz referência ao mito dos Argonautas.

Havia também outro vestido Schiaparelli recém-saído da pista, literalmente retirado do modelo em estúdio e colocado num jato privado só para chegar a tempo para o tapete vermelho de Londres — o seu corpete parece ser de mármore esculpido e é completado por uma saia com franjas que se desvanece do branco pérola para prata.

Mesmo antes de desembarcar na Europa, no entanto, Zendaya já tinha dado o mote para a turnê, chegando à estreia do filme em Nova Iorque com um look de seda branca da coleção Resort 2027 da Khaité, apertado na cintura com um cinto de couro trançado com detalhes dourados. Uma peça que, no entanto, brinca com o mesmo vocabulário "escultural": o drapeado fluido que desliza ao longo do corpo lembra o chiton das estátuas gregas — o que a história da arte nos ensinou a chamar a técnica de “cortinas molhadas”, que define o corpo através das dobras do tecido.

A escultura da Alta Costa

Na Paris Haute Couture Week desta temporada, o tema das estátuas foi tomado quase literalmente. Rahul Mishra, para a coleção Devi: The Eternal Muse, inspirou-se nos baixos-relevos da escultura do sul da Índia: peças em tons de pele para criar um efeito trompe-l'oeil, bordados à mão imitando a textura da pedra, drapeado dramático e toucas que parecem ter saído de um antigo templo oriental.

O resultado é uma série de looks que transformam os modelos em divindades de pedra, vestindo-os nas cores basalto, bronze, arenito e pedra-sabão, com bordados zardozi ricos em pedras e miçangas. O artesanato indiano foi homenageado através de uma colaboração com Sumant Kumar, um mestre trabalhador de barro, com quem a marca criou toucados inspirados nas coroas cerimoniais usadas pelas antigas esculturas indianas.

Na Standing Ground, marca fundada em 2022 pelo designer irlandês Michael Stewart, a estreia da alta-costura trouxe consigo a mesma obsessão pelo corpo esculpido, mas de uma perspetiva completamente diferente. As referências escultóricas de Stewart estão mais próximas de um estúdio moderno; as cortinas, conseguidas com uma precisão quase científica, envolve o corpo para entregar a mesma plasticidade de uma escultura.

No entanto, não sacrifica a leveza nem o conforto tátil. Um corpete de veludo em tons compactos de areia ecoa a textura de uma duna petrificada, enquanto um vestido amarelo-canário apresenta uma estrutura em relevo na frente, feita de miçangas cobertas de tecido, que imita o esqueleto de um peixe fossilizado.

Os gestos congelados de Lynda Benglis, vistos através da Dior

Finalmente, no último desfile de Alta Costura da Dior, Jonathan Anderson apresentou uma coleção que responde diretamente ao trabalho da escultora americana Lynda Benglis. As suas obras, muitas vezes descritas como “gestos congelados”, parecem prender a matéria a meio do movimento, e esse é precisamente o efeito que o ateliê da Dior procurou recriar através de plissados, nós e drapeados que fazem os tecidos parecerem papel recém dobrado ou gesso derramado no ar.

Tecidos metálicos iridescentes e cintilantes imitam os efeitos pictoriais característicos de Benglis, enquanto a sua série Peacock, inspirada no artesanato indiano, traduz-se em bordados florais e miçangas que evocam a plumagem do pavão. A coleção celebra assim, simultaneamente, Ahmedabad na Índia e Santa Fé no Novo México, as duas cidades que mais moldaram a viagem do artista, enquanto bolsas como o Petit Dîner e a Lady Dior são decoradas com fragmentos de chita e indiennes do século XVIII, e a joalheria — com madrepérola, cristal de rocha e ônix verde esculpido — evoca as esmeraldas do Rajasas than.