Comment la culture Hi-Fi est devenue une nouvelle obsession pour la mode et l’art Des rues de Kingston aux galeries de Londres
La Hi-Fi Culture, comprise non seulement comme haute fidélité audio, mais aussi comme vénération du sound system en tant qu’objet, architecture et rituel, est le dernier culte qui a conquis la haute société créative. Ce qui était né dans les rues poussiéreuses de la Jamaïque dans les années 50 comme un geste démocratique et radical – apporter la musique à haut volume dans les communautés grâce à des tours d’enceintes fabriquées maison pour contrer la rareté des salles de danse – est aujourd’hui un accessoire de luxe, un symbole exposé dans les flagship stores et les espaces d’exposition pour élever l’expérience des visiteurs.
La redécouverte du sound system aujourd’hui a commencé avec la diffusion des listening bars japonaises en Europe, un phénomène qui a envahi les métropoles globales de Londres à Milan. Ces espaces minimaux qui offrent une expérience d’écoute quasi sacrée (deep listening à partir de vinyles) autour de systèmes audio impeccables élèvent l’écoute de la musique de simple fond sonore à rite conscient. Le phénomène a revalorisé les équipements audio – amplificateurs à lampes, platines vintage et, surtout, imposants haut-parleurs – passant du hobby de nerd à élément de design d’intérieur et de lifestyle.
Le sound system dans l’art comme affirmation politique
Le revival des sound systems est également un hommage tardif aux racines de la culture audio, arrivée au Royaume-Uni avec la Windrush Generation, fondant la scène musicale underground avec le heavy, rib-tickling bass qui influencerait des générations entières, du Dub au Jungle. Mais la véritable consécration des sound systems est arrivée lorsque la speaker stack a fait irruption dans les temples de la haute culture, avec des artistes comme Peter Doig qui ont intégré des sound systems entiers dans leurs expositions, comme House of Music à la Serpentine Gallery, transformant les galeries en espaces d’écoute immersifs.
Même Theaster Gates a fait du vinyle et du partage musical une partie centrale de ses performances, une provocation qui injecte l’énergie tellurique du bass et l’éthique du partage dans l’espace aseptisé du musée. Des projets comme le collectif Black Obsidian Sound System actualisent cette architecture sonore en tant que ressource communautaire et espace queer, redéfinissant son potentiel radical.
L’esthétique sonore dans la mode
@enlighten.whale Transparent CDJ 2000NXS2 Skeleton by Pioneer DJ c/o Virgil Abloh - 2019 Part of Ablohs exhibition “Figures of Speach” looking at his connections transcending industries connecting music, fashion and architecture. Abloh “As a means to give a new look and feel to the industry standard CDJ and DJM I aimed to design a see-thru and non labeled rendition of the classic models to inspire a different sound while DJing. And perhaps a new way for music technology, and human interaction to equal a different result. What do you think, would you use these? Let us know in the comments. Work by @AlphaTheta/Pioneer DJ Global x Virgil Abloh #art #pioneerdj #lightingart #dj #djing #offwhite #virgilabloh #design #accesories #audiotech #clubbing #homedecor #contemporaryart #modernart original sound - enlighten.whale
La mode ne pouvait pas rester indifférente au statut symbolique des systèmes audio, puisque la Hi-Fi est la représentation parfaite du luxe discret et performatif. Déjà Virgil Abloh, DJ avant d’être designer, avait prédit cette convergence en influençant des figures comme Devon Turnbull (dont le projet OJAS a construit des listening rooms acoustiquement parfaites), tandis qu’aujourd’hui les marques de luxe exposent des systèmes audio haut de gamme comme de véritables sculptures.
Récemment, Valentino a collaboré avec Terraforma pour l’Atelier Sonoro, une listening room située au deuxième étage de la boutique de la marque sur Madison Avenue, tandis que Celine sous la direction créative de Hedi Slimane a souvent misé sur de puissants systèmes acoustiques pour ses défilés, comme dans le cas de la SS22. La speaker stack est devenue l’équivalent d’une installation artistique, un signe que la marque est accordée non seulement à l’esthétique visuelle, mais aussi à l’esthétique sonore.
Les signes d’une résistance analogique
La raison de l’ascension de la Hi-Fi Culture est double : d’un côté, elle reflète l’influence croissante des créatifs d’origine afro-caribéenne dans les arts et la mode, ainsi que la volonté de l’industrie de puiser dans des histoires culturelles radicales (bien que souvent en en stérilisant la dimension de résistance). De l’autre, à une époque dominée par l’écran et la gratification instantanée des écouteurs, investir dans un système audio percutant est l’acte ultime de résistance analogique. C’est le choix de dédier un espace, un temps et une dépense significative à une expérience physique et collective.
