A Paris Fashion Week tornou-se mais puda? A moda, nesta época, era bastante burguesa

O conceito de “risco criativo” foi o mais utilizado entre os críticos que comentaram a Paris Fashion Week, que concluiu na passada terça-feira com os fogos de artifício da Coperni, talvez mais brilhante que a coleção que acompanhavam. Cada vez mais, o tema de cada coleção parece subordinado à sua apresentação numa espécie de tendência para a meta-narratividade, onde muitos diretores criativos e marcas aparecem mais focados na continuidade e no contexto da narrativa mais do que na própria narrativa, ficando presos numa autorreferencialidade e, em alguns casos, na auto-indulgência que os levou a “executar-se” em vez de serem eles mesmos, aderindo a uma imagem externa do seu estilo em vez de pecar desenvolvendo-o sinceramente. Observar-se de fora significa ter parado de crescer: como disse D'Annunzio, “a anatomia pressupõe o cadáver”. Foi o caso do já referido Coperni, cujos designers pareciam mais interessados em criar um “momento” do que em inovar as roupas, mas também foi o caso de Rick Owens, que, apesar de continuar a ser um mestre venerável, começou a parecer mecânico com a sua fixação injustificada no Palais de Tokyo, o ritmo glacial do seu espetáculo, e a lenta redundância de uma coleção sempre idêntica. Quase como se estivesse a começar a perder flexibilidade e adaptabilidade, tornando-se verboso, repetitivo, e menos enérgico. Porque não mudar de localização pelo menos uma vez? Ele e outros beneficiariam de uma sensação de síntese saudável, rapidez e saliência.

Aliás, a concisão foi a marca dos programas vencedores da temporada, tanto qualitativa como quantitativamente. Em geral, não estamos a falar de minimalismo; pelo contrário, o reducionismo desapareceu mesmo em favor de volumes amplos, uma proliferação de rendas, lingerie e transparência; de bainhas extremamente curtas ou imponentes peças de vestuário sob medida; de roupas em camadas, capas e penas. Estamos a referir-nos à capacidade de dizer o que se tem a dizer, mesmo que pouco, de forma sucinta, eficiente, sem ofuscações. Vejam o The Row e os seus 27 looks, que podem não revolucionar o mundo do design mas criar uma apresentação ágil, directa e eficaz; olhem para Peter Do e a sua brevidade densamente embalada, em Mugler, Noir Kei Ninomiya, Anrealage, Enfants Riches Dèprimés e Heliot Emil. Todas as marcas que se limitavam a cerca de trinta looks, ao contrário de outras marcas que ultrapassavam os cinquenta looks, muitas vezes diluindo a sua mensagem — se houvesse uma mensagem para começar. Muitos outros designers, incluindo os mais renomados, optaram pela tediosa auto-indulgência, o que sugere esforço mas também uma recusa em desafiar-se, uma falha em perceber que se tornaram aborrecidos. O resultado foram coleções um tanto genéricas, esquecíveis, mais inclinadas a seguir tendências do que a criá-las, genuflectando para o algoritmo ou simplesmente indicando que os diretores criativos ou designers envolvidos deixaram de questionar o seu próprio trabalho: qualquer criativo que não se torne o seu próprio crítico mais severo, implacável e implacável está condenado a tornar-se uma paródia de si mesmo.

Para além de exceções notáveis como Courrèges, Issey Miyake ou Yohji Yamamoto, onde havia uma paixão discernível ou pelo menos a excitação febril da criação, o sentimento geral depois deste mês de moda é que a moda institucional tornou-se demasiado “segura” para expressar algo verdadeiramente real. A presença de “adultos responsáveis” sob a forma de CEOs, investidores e comités em vez dos patronos do passado criou uma moda realizada com a mesma diligência inerte e franqueza obtusa de uma tarefa escolar, até tímida na sua rebelião, tão excitante como uma revisão contabilística — numa palavra, burguesa. Para onde foi a irreverência do passado? Onde está o inesperado, a emoção? É como uma dança da escola onde todos os pais e professores estão presentes como acompanhantes: certamente não haverá incidentes, mas a festa será terrivelmente aborrecida. Mesmo as generosas quantidades de pernas nuas, saltos altos, minissaias e seios nus visíveis através de vestidos puros não tinham nada de sensual neles; pareciam mais o produto de uma imaginação frígida, a ideia de sexo de alguém que nunca o experimentou. E o mesmo não se traduziu para o público, cujos membros, pelo menos os livres para adotar o estilo que preferiam, revelaram-se muitas vezes mais avançados em termos de estilo mais bom gosto do que os olhares na passarela. Isto leva-nos a questionar quem são os verdadeiros formadores de opinião da moda — sejam os designers ou os seus seguidores — e, mais importante, se os designers, entre as suas muitas restrições corporativas e comerciais, ainda são capazes de sintetizar e evocar, como outrora, a emoção que é a pedra angular da moda: o desejo.

Não é uma questão de nudez — se isso bastasse, o programa de Luis de Javier, com as suas noivas grosseiras e fetichistas de bonecas sexuais, teria feito sentido, mas não. Tomemos McQueen, por exemplo: Sean McGirr não parece ter uma ideia clara do que torna uma mulher sexy — seja por contenção ou desinteresse, as banshees sombrias que ele conjurava eram tão rígidos como as freiras. O tipo de sensualidade que, no seu tempo, Lee McQueen estabeleceu mais através do corte anatómico das peças, do mergulho vertiginoso dos decotes, da forma como um vestido parecia prestes a revelar algo sem nunca realmente o fazer — não é por acaso que mesmo os seus programas menos bem sucedidos (e aqui pensamos na coleção SS06 que brincava com um tipo semelhante de alfaiataria) evocou um um erotismo, talvez agressivo mas nunca degradante, ao contrário, libertador, comemorativo. É como se muitos designers estivessem presos entre dois modos de sensualidade: completamente inofensivo ou completamente ofensivo, pudico ou pornográfico. O detalhe mais sutilmente provocativo visto esta semana foi aquela faixa de pele nua sob o umbigo das modelos da Balenciaga, entre um polo curto e jeans low-rise. A imaginação dos designers parisienses não foi muito além disso.

Seja como for, a sensação é que estamos mais uma vez no início dos anos 90, com a mesma crise que se fazia sentir naquela época, provocada pelo declínio progressivo de marcas históricas fossilizadas num modelo de negócio e comunicação ultrapassado. Um cansaço indubitavelmente devido ao facto de todos os cantos do mapa terem sido explorados, de tudo já ter sido visto e inventado, criando a impressão de ter chegado ao fim da história — mas o problema é também uma cultura empresarial apreensiva e excessivamente cautelosa. Até os designers, francamente, parecem ter poucas ideias, mas isso é porque muitos estão a trabalhar nas mesmas coisas — é natural que se sobreponham e troquem uns com os outros. Mas quando a areia está no fundo da ampulheta, basta virar a ampulheta: aliás, são precisamente os momentos em que ocorre uma ruptura, um trauma ou uma fratura que abala um sistema esclerótico, demasiado grande para entrar em colapso num dia mas já parcialmente em decomposição. Quem se lembra de como Marc Jacobs foi demitido do elegante Perry Ellis pela sua famosa coleção grunge? Hoje, a única razão pela qual as pessoas lembram que Perry Ellis existe é exatamente aquele momento de desobediência — os executivos com as suas camisas fariam bem em lembrar-se disso.