Una conversazione con l’artista che ha ridefinito la storia dei grandi nudi collettivi.

È stato negli anni Novanta che un giovane ed entusiasta Spencer Tunick è emerso per la prima volta nel mondo della fotografia performativa. Quello che era iniziato come una serie di incursioni piccole e quasi spontanee di corpi nudi nei più diversi paesaggi architettonici e naturali si è presto trasformato in un corpus di opere meticoloso e senza precedenti, portando Tunick a creare la più grande collezione di ritratti di nudo della storia, coinvolgendo centinaia di migliaia di persone.

Da Bogotá ai ghiacciai della Svizzera, le sue opere sono sempre riuscite a fondersi con l’ambiente circostante, mentre i corpi ritratti, sempre nudi e intenzionalmente coreografati, si uniscono per trasmettere un messaggio più ampio. Diventano strumenti dell’arte di Tunick, un’arte che per decenni ha ispirato riflessione, fascinazione e, talvolta, ostacoli legali, ma che non ha mai lasciato nessuno indifferente.

Abbiamo incontrato l’artista americano per una conversazione esclusiva sulla sua pratica, sulla sua visione dell’amore e sul suo rapporto unico con la Francia.

Come ti sei avvicinato alla fotografia e quando hai scoperto il nudo?

Sono un fotografo di quarta generazione. Il mio bisnonno possedeva il primo laboratorio Kodak per lo sviluppo fotografico a New York, all’inizio del Novecento, situato dove in seguito sarebbe stato costruito il World Trade Center. Mio nonno fotografava per il World Affairs Council vicino alle Nazioni Unite. E mio padre aveva acquisito il franchising dell’attività dei visori portachiavi nelle Catskill Mountains, nello Stato di New York. Sono stato l’unico a seguire un percorso artistico attraverso la fotografia.

Ho scoperto per la prima volta il nudo quando mia madre mi portò al Museum of Modern Art di New York e mi trovai davanti al dipinto di Henri Rousseau Il sogno (1910). Mia madre aveva frequentato la Parsons School of Design e mi portava nei musei della città. Sono sempre stato un appassionato di diorami, soprattutto quelli dell’American Museum of Natural History.

Quale significato assume il corpo umano nudo quando viene collocato in uno spazio pubblico e all’interno di un contesto artistico?

Il corpo nudo, nell’arte inserita nello spazio pubblico, assume un nuovo significato quando riempie un luogo pubblico. Può essere in simbiosi con lo spazio, aggiungendo un’architettura carnale all’ambiente circostante, oppure può rappresentare una forma di ribellione e di contrasto con quello spazio. Dipende dalla location e dal contesto, per me, quale significato trasmette in una determinata immagine.

All’inizio della tua carriera eri solito cercare persone per strada a New York, distribuendo volantini con la scritta “Posa nudo per una fotografia di gruppo di Spencer Tunick”. Cosa significa concretamente partecipare a una delle tue performance? Quali sono i criteri di selezione e come è cambiato il processo nel corso degli anni?

Nei miei lavori ci sono elementi di performance art combinati con la land art. Non li considero necessariamente delle performance in senso stretto. Li vedo come installazioni legate al luogo, a metà tra documentario e concettuale. Dal 1994 al 2000 ho organizzato i lavori di gruppo distribuendo personalmente volantini per strada, mantenendo gli interventi nell’underground. Per un mese disegnavo a mano i volantini e li distribuivo personalmente per le strade di New York. Ne consegnavo 1000 sperando che il 10-15% delle persone si presentasse. Per lo più non li distribuivo a persone che indossavano completi eleganti, ma li davo a chiunque mostrasse un certo spirito d’avventura.

Le tue prime azioni a New York sono state descritte come “incursioni” nei distretti finanziari: cosa cercavi di mettere in discussione in questi ambienti “giacca e cravatta”?

Le mie fotografie nel distretto finanziario riguardavano meno il commercio e più il design del paesaggio urbano di quella zona, con le sue strade strette e i suoi grattacieli imponenti, così vicini tra loro. Nei fine settimana, all’alba, le strade sembravano fiumi deserti e i grattacieli erano come la chioma degli alberi in una giungla di cemento che impediva alla luce del sole di entrare… ma lasciava filtrare abbastanza luce da permettermi di realizzare la mia arte.

Sei stato arrestato cinque volte in flagranza di reato e il sindaco Giuliani si è opposto ripetutamente al tuo lavoro. Oggi ti è permesso fotografare persone nude per le strade di New York: cosa è cambiato dal punto di vista legale e culturale?

È sempre stato legale fotografare nudi a New York. È uno dei pochi Stati in cui la nudità nell’arte nello spazio pubblico è consentita. Alla fine si è scoperto che il sindaco non era d’accordo con questa legge che proteggeva me e i partecipanti. Di conseguenza, ha incaricato l’ufficio della DEA e la polizia di arrestare me e i partecipanti e di affrontare le conseguenze in seguito. Dopo il mio quinto arresto, essere fermato e rinchiuso in una cella di detenzione, dietro le sbarre insieme ad altri gruppi di persone, stava diventando pericoloso per me. Così la New York Civil Liberties Union (l’ACLU di New York) e l’avvocato Ronald Kuby fecero causa alla città per proteggere me e i partecipanti che posavano per me da futuri arresti. Il caso arrivò fino alla Corte Suprema degli Stati Uniti. Oggi è chiaramente legale, senza alcun dubbio, essere nudi a New York… per motivi artistici. È sufficiente richiedere un permesso se il numero delle persone supera una determinata quantità.

Allo stesso tempo, ancora oggi, un corpo nudo continua a provocare scandalo. Perché è ancora un tabù?

Il corpo nudo nell’arte è illegale nella maggior parte degli Stati Uniti. Lo spazio pubblico è sempre un tabù, non per il soggetto in sé, ma a causa delle leggi draconiane contro il corpo nudo nell’arte. Per quanto mi riguarda, non sto sostenendo il nudismo come stile di vita, dove qualcuno possa avere il diritto di mettere una sedia a sdraio in strada, stendersi e prendere il sole. Il diritto di farlo è una battaglia legittima di qualcun altro. Ma io continuo a difendere il diritto di creare arte, nel rispetto di tempo, spazio e modalità, all’interno dello spazio pubblico.

Qual è un luogo comune sul tuo lavoro che vorresti correggere?

Forse l’idea che i grandi lavori di gruppo siano composti da nudisti o naturisti, cosa che non è vera.

Naturalmente alcuni nudisti partecipano, ma il 99% delle persone presenti sono persone comuni che non fanno parte di uno stile di vita nudista. Artisti, bibliotecari, infermieri e persino agenti di polizia hanno posato per me. Infatti, nel paese in cui vivo, 50 minuti a nord di New York, uno degli agenti di polizia locali ha partecipato a un mio lavoro di gruppo!

A Bogotá, un Paese segnato da mezzo secolo di conflitto armato, hai scelto di trasmettere un messaggio di “uguaglianza, pace e unità” fotografando persone nude in luoghi istituzionali. In un’altra occasione, hai portato i tuoi partecipanti sul ghiacciaio dell’Aletsch in Svizzera (un progetto sviluppato in collaborazione con Greenpeace contro lo scioglimento dei ghiacciai). Quanto è importante la dimensione sociale e politica nel tuo lavoro?

Gran parte del mio lavoro riguarda l’astrazione e il corpo come materia che si trasforma in forme. Ma a volte lo collego a questioni che mi toccano personalmente. Talvolta do a una fotografia di gruppo un titolo legato a qualcosa di politicamente o socialmente importante, senza però utilizzarlo pubblicamente in quel modo. È una reazione personale a ciò che accade intorno a me, un modo per elaborare ciò che nel mondo mi ha fatto arrabbiare, frustrato o rattristato. In questo senso sono proteste private. Un modo per calmare i miei nervi.

Ma ci sono momenti in cui delle organizzazioni mi contattano direttamente per creare un’opera a cui possano associare un messaggio. Mi lasciano fare ciò che voglio e, fortunatamente, i risultati sono stati per lo più positivi. Dal lavorare con corpi nudi su un ghiacciaio in Svizzera insieme a Greenpeace, sensibilizzando sulla scomparsa dei ghiacciai europei, fino a valorizzare e rendere uguali le persone durante il processo di pace in Colombia nel 2016. Alla fine sono molto fortunato a lavorare con così tante persone. Se a volte posso contribuire a dare forza a una causa che è importante per me e ad attribuirle nuovi significati, questo aggiunge un ulteriore livello.

Come ospite del festival di Aurillac in Francia, hai creato un omaggio a Magritte equipaggiando 700 persone con ombrelli neri e trasparenti dopo aver scoperto una fabbrica locale che li produceva. È stata un’improvvisazione o una scelta deliberata?

L’opera realizzata ad Aurillac non era necessariamente un omaggio, ma sicuramente avevo Magritte in mente quando ho creato i miei lavori ad Aurillac. Ho combinato inconsciamente il suo dipinto “Golconda” (1953) e “Le vacanze di Hegel” (1958) con gli ombrelli gentilmente forniti da una fabbrica francese.

Quando esploro una città mesi prima di tornarci per una fotografia/installazione di gruppo, imparo molto per la prima volta sulla città e sulla regione. Spesso visito mercati, piazze, zone montuose con radure e immagino il paesaggio con dei corpi nudi. Ad Aurillac erano molto orgogliosi della loro fabbrica locale di ombrelli e immediatamente mi è venuto in mente “Golconda” (1953), ma con gli ombrelli e il nudo al posto dei corpi sospesi nel dipinto. È stata una scelta deliberata fatta durante il sopralluogo, per sviluppare delle idee in vista del mio ritorno.

Se dovessi scegliere una location a Parigi per una delle tue opere, quale sarebbe?

Possibilmente la terrazza del Musée d’Art Moderne oppure Avenue d’Eylau. Avrei bisogno di venire a fare un vero sopralluogo a Parigi per realizzare qualcosa di nuovo. Sono sicuro che, se realizzassi un progetto su larga scala a Parigi, nascerebbero nuove idee molto fresche e surreali.

Il mio lavoro si svolge nelle prime ore dell’alba, prima che la città si svegli. Quando c’è appena abbastanza luce per illuminare le strade, mentre la maggior parte delle persone sta ancora sognando nei propri letti. Ci sono così tanti luoghi possibili con pochissimo disturbo. È sempre stato un mio sogno realizzare alcune opere su larga scala a Parigi.

Scegliere di posare nudi al servizio di un artista o di un fotografo è un atto d’amore. Cosa rappresenta per te l’amore e come si manifesta nel tuo lavoro?

L’amore è la famiglia, una grande riunione familiare. Ho una grande famiglia se includo i partecipanti alla mia arte. L’amore è riunire la famiglia, per il cibo, per i rituali o per l’arte.

Durante la realizzazione di questa rivista, abbiamo spesso chiesto ai partecipanti di realizzare un autoritratto. Nel tuo caso, se dovessi scegliere qualcuno che ami per dipingere il tuo ritratto, chi sarebbe e perché?

Mio figlio è al primo anno di scuola d’arte. Disegna, dipinge e ha interesse, un giorno, a insegnare. Sono molto orgoglioso di lui.

Vuoi raccontarci qualcosa dei tuoi prossimi progetti?

La mia prossima fotografia/installazione di gruppo sarà alla fine di luglio 2026 nelle Isole Canarie, a Gran Canaria. È possibile registrarsi per partecipare visitando il link del progetto sul mio sito spencertunick.com oppure un link sul mio Instagram @spencertunick. Sono un raccoglitore. Le persone sono il mio mezzo.

Come vorresti essere ricordato dalle generazioni future?

Prima di tutto vorrei essere ricordato come un buon marito, padre e figlio premuroso. Dopo di ciò, mi vedo come un raccoglitore di avventurieri urbani.